Обучающие программы и исследовательские работы учащихся
Помогаем учителям и учащимся в обучении, создании и грамотном оформлении исследовательской работы и проекта.

Объявление

Наш баннер

Сайт Обучонок содержит исследовательские работы и проекты учащихся, темы творческих проектов по предметам и правила их оформления, обучающие программы для детей.
Будем благодарны, если установите наш баннер!
Баннер сайта Обучонок
Код баннера:
<a href="https://obuchonok.ru/" target="_blank"> <img src="https://obuchonok.ru/banners/banob2.gif" width="88" height="31" alt="Обучонок. Исследовательские работы и проекты учащихся"></a>
Все баннеры...
Тематика: 
ИЗО и МХК
Автор работы: 
Тупинова Юлия Андреевна
Руководитель проекта: 
Мочалова Светлана Ивановна
Учреждение: 
МОУ "Советская средняя общеобразовательная школа N2"
Класс: 
9

В процессе проведения работы над исследовательским проектом по ИЗО и МХК на тему «Виды современного искусства» обучающаяся 9 класса расширила знания об истории развития современного искусства, выяснила, какие виды искусства существуют на современном этапе, а также определила, какой из видов искусства наиболее развит в обществе.

Подробнее о работе:

В готовом исследовательском проекте по ИЗО и МХК на тему «Виды современного искусства» автор сделала выводы о том, как бы ни влияло искусство на людей, только люди решают, насколько важен тот или иной процесс творчества и сами за-дают темп развития полюбившихся видов искусства.

Оглавление

Введение

  1. История развития современного искусства
  2. Виды современного искусства
  3. Организация исследования и его анализ

Заключение
Список использованных источников

Введение


Актуальность исследования. Во все времена человек стремился запечатлеть свое отношение к жизни в разных видах искусства. Все жизненные впечатления преломляются через внутренний мир художника и обращены к опыту каждого зрителя, читателя, слушателя.

Чувства, воплощенные в искусстве, не тождественны жизненным. Они всегда зависят от художественного идеала, системы ценностных представлений. Художественные эмоции не слепок сиюминутных переживаний, а результат обдумывания, жизненного опыта.

Воспринимая произведение искусства, человек может испытывать восторг, радость, восхищение, потрясение, гнев, скорбь, боль. Но чудо искусства – в просветлении, очищении, возвышении души человека.

И страх, и боль, и волнение, когда они вызываются искусством, заключают в себе нечто сверх того, что в них содержится. Психолог Л. Выготский писал: «Искусство побуждает искать и находить главное, думать, снова и снова переживать за судьбы героев, соотнося их с собственной жизнью».

Цель: определение значимости современных видов искусства на формирование духовных и культурных ценностей личности человека.
Для достижения цели проекта необходимо решить следующие задачи:

  • познакомиться с историей развития современного искусства;
  • выяснить, какие виды искусства существуют на современном этапе;
  • определить, какой из видов искусства наиболее развит в обществе.

Объект исследования – современная живопись.
Предмет исследования: воздействие живописи на жизнь человека.
Методы работы над проектом:

  • теоретические методы исследования;
  • эмпирические методы;
  • методы математической статистической обработки.

Прогнозируемые результаты: после изучения данной темы предполагается более высокий уровень развития эмоционально-ценностного отношения к миру, явлениям жизни и искусства; понимания места и роли искусства.

1. История развития современного искусства


Современное искусство – совокупность художественных практик, сложившихся во второй половине ХХ века. Под современным искусством пони-мают искусство, восходящее к модернизму, или находящееся в противоречии с этим явлением.

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Главной целью было искажение понятия духовности. Многие художники последовали за французскими философами, предложившими термин «постмодернизм». Можно сказать, что произошел сдвиг от самого объекта к процессу.

Самыми заметными явлениями рубежа 1960-х и 1970-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 1970-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, поднимаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 1970-х стал феминизм в искусстве.

Конец 1970-х и 1980-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»). На середину 1980-х приходится время подъёма движений, активно использующих образы массовой культуры – кэмпизм, искусство иствиллиджа, набирает силы неопоп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве – всё больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения.

На арт-процесс большое влияние оказало развитие технологий: в 1960-х годах – видео и аудио, затем – компьютеры и в 1990-х годах – Интернет.
Начало 2000-х годов отмечено разочарованием в возможностях технических средств для художественных практик. Разрушительные концепции сделали своё пагубное дело. При этом конструктивных философских оправданий современному искусству XXI века пока не появилось. Некоторые художники 2000-х годов полагают, что «современное искусство» становится инструментом власти «постдемократического общества. Этот процесс вызывает энтузиазм у представителей арт-системы и пессимизм у художников, профессионалов.

Ряд художников 2000-х годов возвращается к товарному объекту, отказываясь от процесса, и предлагают коммерчески выгодную попытку модернизма XXI века.

2. Виды современного искусства


Абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм (Приложение 1) – широкомасштабное движение в американской живописи ХХ века, которое зародилось в конце 1940-х годов и стало доминирующим течением в западном искусстве в 50-е.

В чем же состоят особенности абстрактного экспрессионизма?
Во-первых, все работы этого направления не воспроизводят видимый мир. Они являются отражением свободного, спонтанного и личного эмоционального переживания и отличаются свободой в технике исполнения.

Особое внимание при создании этих работ уделялось изменчивым физи-ческим свойствам краски с целью подчеркнуть изображенное переживание. Эти картины исполнены в виде некой психической импровизации с акцентом на интуитивном использовании материалов и созданы они для того, чтобы выразить силу творческого бессознательного.

Еще одна особенность, отличающая работы абстрактных экспрессионистов, – отказ от условно структурированной композиции, которая строится из отдельных элементов, и замена их единым, недифференцированным полем. И, наконец, эти картины отличаются огромными размерами.

Ключевые моменты:
1. Большинство художников, которых относят к абстрактному экспрессионизму, достигли творческой зрелости в 1930-е годы. На них существенно повлияла эра «левой» политики, и основной их ценностью в искусстве было выражение личного опыта. Некоторые из них в разное время отказались от прежних радикальных политических взглядов, но многие продолжали держаться за образ принципиальных авангардистов, протестующих по обочинам дорог.
2. Абстрактные экспрессионисты развивали собственный художественный стиль в то время, когда американцы страдали от экономических проблем и чувствовали себя провинциалами, изолированными от мира искусства. Поэтому движение абстрактных экспрессионистов с радостью провозгласили первым исконно американским авангардным движением. Их искусство настойчиво называли подчеркнуто американским по духу – монументальным по масштабам, романтическим по настроению и выражающим непростые ас-пекты личной свободы.
3. К движению абстрактного экспрессионизма причисляют только художников, однако оно привлекало творческих людей из самых разных областей. На «орбите» этого художественного направления вращались, к примеру, скульпторы (Дэвид Смит) и фотографы (Аарон Сискинд).

Реди-мейд
Термин ready-made (Приложение 2) в контексте изобразительного искусства впервые использовал французский художник Марсель Дюшан в 1913 году для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Получилось перемещение предмета из не художественного пространства в художественное. На авиационной выставке 1912 года, Марсель Дюшан, сраженный красотой ее экспоната – пропеллера, - сказал своему другу Константину Бранкузи: «Живописи пришел конец. Что мо-жет быть совершеннее этого пропеллера?»

Первым реди-мейдом «Велосипедное колесо» 1913 года, Дюшан обозна-чил коллизию: предмет потребления или объект эстетического наслаждения. Это вызвало лавину вопросов о статусе произведения искусства. Ответы на поставленные вопросы – в форме самих произведений или теорий, давались на протяжении всего XX века. Велосипедное колесо, прикреплено к табурету. Присутствие творца и совершенство его умений рук при этом сведены на нет. Дюшан нашел термин для обозначения подобного действия: ready-made, ина-че говоря, конфекция, то, что уже готово к употреблению. За велосипедным колесом последовали: сушилка, вешалка и писуар.

Посредством этих предме-тов Дюшан объяснил, что он не искал «никакого эстетического удовлетворе-ния», был «визуально не заинтересован» и «фактически совершенно безучаст-ным». Разрушая рукотворность объекта и связь между творцом и созданным произведением, художник также перевел восприятие из зрительной сферы – в концептуальную. Показывая предмет серийного производства, Дюшан давал понять, что его присутствие и содержание определяется исключительно «вы-бором» и намерениями художника.

Таким образом, становилась очевидной мысль, что статус произведения искусства зависит только от закономерности его присутствия на выставке.

Концептуализм
Концептуа́льное иску́сство (Приложение 3), концептуали́зм (от лат. Conceptus – мысль, представление) – литературно-художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х – начале 70-х годов XX века в Америке и Европе.
В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.

Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того,
каким образом функционирует произведение искусства – или как функционирует сама культура … искусство – это сила идеи, а не материала». Классическим образцом концептуализма стала его композиция «Один и три стула» (1965), включающая стул, его фотографию и описание предмета из словаря.

Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприя-тию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Короткое описание концептуализма:
1. Все некрасиво (смысл искусства — отвечать на вопрос, что есть искус-ство, а не быть эстетичным).
2. Ничего не понятно (ясного авторского высказывания нет, потому что интерпретацию и смысл создает зритель).
3. Кажется, что тут ничего нет (один из главных концептов – пустота).
4. Работа полностью состоит из текстов (художники увлечены языковы-ми играми).
5. Неясно, как это здесь оказалось (искусство включается в непривычные контексты).

Сюрреализм
Основное понятие сюрреализма (Приложение 4), сюрреальность – совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Магритт относился к нему весьма скептически).
Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.
Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тема-тиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.

Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они создали теорию освобождения желания, изобретая методы, направленные на воспроизведение механизмов сновидений. Они провозгла-шали неконтролируемое создание текстов – автоматическое письмо.

Французская приставка «сюр-» означает «сверх-», так что основная идея сюрреализма – выйти за рамки реальности и попытаться отразить человеческие сновидения, фантазии, мысли из потаённых уголков мозга и прочие глюки, возникающие в состоянии изменённого сознания. Отсюда и табак, и употребление Абсента, и кое-что. Отсюда же и полёты пчелы вокруг граната, и растекающиеся по древу циферблаты часов, и слоны на длиннющих ногах. Кстати, популярного российского писателя Виктора Пелевина можно тоже спокойно отнести к сюрреалистам.

Гиперреализм
Гиперреализм (Приложение 5) – художественное течение в живописи и скульптуре, основанное фотографическом воспроизведении (копировании) действительности. В 1973 году Иса Брахот предложил термин «гиперреализм» как мягкий французский синоним слишком жесткого слова «фотореализм».
И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок поп-арту. Их прежде всего объединяет возврат к сложной фигуративности рисунка и композиции.

Магистральным для гиперреализма является точное, бесстрастное, внеэмоциональное воспроизведение действительности, имитирующее специфику фотографии:
принцип автоматизма визуальной фиксации, документализм. Гиперреализм акцентирует механический, «технологичный» характер изображения. И хотя излюбленная проблематика гиперреализма — реалии повседневной жизни, городская среда, реклама, макрофотографический портрет «человека с улицы», создается впечатление статичной, холодной, отстраненной, отчужденной от зрителя сверхреальности.
Главными темами творчества являются: социум, проблемы общества, политические и культурные темы, реклама, «человек в большом городе» - макрофотографическое внимание к его роли и проблемам.
Гипперализм фокусируется на деталях предметов. Картины в этом стиле были отображением реальных объектов с дополнительными, тонкими деталями, которые создавали иллюзию действительности.

По мнению Жана Бодрийяра, гипперализм – симуляция реальности, иллюзия, ложная действительность, фотографическая передача того, что никогда не существовало. Однако сами живописцы, работающие в этом стиле, отрицают слепое копирование фотографии.
Художники фокусировали свое внимание на блестящих отражающих поверхностях – полированный автомобиль, стекло, водная гладь, пластик, металл.

Гиперреализм характеризуется более сложным фокусом на объекте действительности. Текстуры, фактуры, световые эффекты и тени являются ярче и отчетливее, чем на фото. Они более выражены, чем в реальности. Назвать изображение сюрреалистичным нельзя, поскольку иллюзия является убедительной моделью действительности.

Поп-арт
Термин «поп-арт» (Приложение 6) впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя в 1966 году. Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «поп-артовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже – Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956).
Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт (англ. pop-art, или popular art) – стиль в изобразительном искусстве, высмеивающий культуру общества потребления. Это направление искусства возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм в 1950-60-е годы. Его характеризует легкая ирония, насмешка над тем, что люди привыкли считать красивым и художественным. В поп-арте активно используются стереотипы и символы. Например, такие товары как Levi's джинсы и Coca cola, являющиеся в Америке атрибутом успеха и благосостояния в послевоенное время и поэтому часто изображаемые на картинах и коллажах сделанных в стиле поп-арт.

Данное направление в изобразительном искусстве передало вкус и настроение того времени. Сексуальность, молодость, мимолетность, мечтательность и даже некоторая наивность в картинах стиля поп-арт считается отражением настоящей американской мечты. В России о ней заговорили лишь десятилетия спустя после первого появления поп-арта в Америке.
Кстати, в наше время поп-арт опять в моде, как в живописи, так и в других видах искусства. И благо, современных мастеров, работающих в этом направлении сейчас предостаточно.

Оп-арт
Оп-арт (или оптическое искусство) – одно из ответвлений геометрического абстрактного искусства середины ХХ века, основой которого являются оптические иллюзии. Представители этого стиля стремились к созданию на плоской поверхности эффекта движения за счет использования цветовых контрастов и геометрических узоров.

Секрет работ в стиле оп-арт кроется во взаимодействии между сетчаткой глаза (органе, который «видит» изображение) и мозгом (который это изображение интерпретирует). Определенные узоры вносят неразбериху в это взаимодействие, что приводит к появлению иррациональных оптических эффектов.
По большому счету, подобные картины можно разделить на две большие категории. К первой относятся черно-белые работы, создающие эффект движения (вращения, вибрации, мерцания), которые могут вызывать даже физическое головокружение. Воздействие работ из второй категории основано на иллюзорном изображении, которое возникает при рассматривании определенного цвета или цветового сочетания.

С самого появления оп-арта нейроученые неустанно исследуют механизмы восприятия человеческим глазом и мозгом этих головоломных картин. Основополагающей в этих исследованиях является идея того, что человеческий взор «притягиваются» к контрастным областям. Резкие границы между светом и тьмой привлекают внимание, и восприятие контраста усиливается. Например, черный круг на белом фоне будет казаться темнее, чем точно такой же круг на сером фоне (ученые называют это явление «антагонизмом центра-окружения»).

Похожий эффект вызывают и цветовые контрасты. Например, история с фотографией платья, которая наделала много шума в сети? Одни люди видели его черно-синим, а другие – бело-золотым? Все дело в визуальном эффекте, благодаря которому человек может по-разному воспринимать один и тот же цвет в зависимости от его окружения. Яркие цвета отбрасывают тень комплементарного (или противоположного) цвета. Именно поэтому здесь (Прило-жение 7) область, окружающая синий квадрат, приобретает желтый оттенок, хотя этот цвет в картине не использовался. «Сотрудничество» нейроученых и художников в области изучения визуальных эффектов получилось взаимовыгодным. И несмотря на то, что действовали они совершенно разными методами, сделанные ими выводы очень похожи. Человеческая зрительная система не отражает окружающий мир подобно зеркалу. Судя по всему, она способна воспринимать гораздо больше, чем нам кажется.

Инсталяция
Инсталляция (Приложение 8) (от английского installation – установка) представляет собой некий набор предметов, объединенных общей идеей.

Принципы инсталяции:
1. Инсталляция – это композиция из элементов пространства и вещей Если вы входите во вдруг непривычно обустроенный зал, или если носок ботинка зацепил валяющийся мусор – наверное, это новая инсталляция. Это могут быть вещи из прошлого, восстанавливающие картину быта, или современные предметы, теряющие свою утилитарную функцию.
2. Инсталляция – это соединение различных искусств. Кроме изобразительного искусства, всегда являющегося отправной точкой и опорой музеев, инсталляция включает в себя музыку, видео, реальность — поэтому ее можно слушать, трогать, нюхать, пробовать на вкус, и поэтому инсталляция трехмерна.
3. Инсталляция – это обязательное взаимодействие со зрителем. Вытекающее из предыдущего пункта свойство – инсталляция всегда напрямую вовлекает в себя зрителя, поэтому зачастую никто не заставляет сдерживать детский хватательный рефлекс (даже наоборот – иногда смысл произведений заключается в его стимулировании), поэтому можно тыкать пальцами в изображения и нервировать смотрительниц изменением положений предметов.
4. Инсталляция должна находиться в музее. Иногда именно музей делает из искусства искусство, поэтому одно из свойств инсталляции – принадлежность закрытому месту, предполагающему сценическую конструкцию. Инсталляция представляет собой нечто, воздвигнутое в замкнутом помещении. Размер последнего варьируется от предельно малого, куда можно только заглянуть одним глазком, до нескольких залов в крупных музеях.
5. Инсталляция – это не скульптура. Скульптура представляет собой со-оружение (фигуру, предмет), которое имеет объемную форму и изготовлено из какого-то материала. Инсталляция может напоминать скульптуру, при этом она отличается, прежде всего, разнородностью материалов – то есть вместо бронзы или гранита или глины (в скульптуре) – в инсталляции может быть это все, смонтированное вместе.
6. Инсталляция мало живет и почти не хранится. Чаще всего музеи не могут сохранить инсталляцию в том виде, в котором она выставляется, потому что никто не знает, как ее хранить: невозможно положить ее как лист бумаги, картину, упаковать в ящик, как скульптуру.

2. Практическая часть

2.1. Механизм реализации проекта


Этапы Задачи этапа Сроки
исполнения Результат
Подготовительный Выбор темы, цели и задач проекта август 2022 Определение темы, корректировка цели и задач проекта
Планирование Составление плана работы август 2022 Разработан поэтапный план, определены сроки выполнения того или иного вида работы
Выполнение
проекта Поиск и изучение теоретического материала август 2022 Найден, изучен и обработан теоретический материал по теме
Анкетирование сентябрь 2022 Поиск анкеты в сети Интернет и ее распечатка.
Проведение анкетирования
Анализ результатов анкетирования октябрь 2022 Диаграммы
Разработка «Рекомендации» ноябрь 2022 Текст «Рекомендации»
Презентация
проекта Презентация проекта на классном часе в 9А классе декабрь 2022 Представление проекта и просмотр презентации
Рефлексия Оценка результатов работы над проектом декабрь 2022 Самоанализ

2.2.Организация исследования и его анализ

Я провела исследование на базе МОУ «Советская средняя общеобразовательная школа №2» в феврале 2023 учебного года. В исследовании принимали участие 7-8 классов в возрасте от 13-15 лет. Из предложенных вариантов ответов, нужно было выбрать один, наиболее подходящий для участника анкетирования.

Проанализировав ответы, я пришла к выводу, сто в наше время подростки не только совсем не разбираются в видах современного искусства, но и мало представляют, что значит искусство вообще. Таким образом, необходимо больше внимания уделять этой теме в своей жизни, расширять кругозор, так как искусство делает нас духовно богаче.

Заключение

Таким образом, мы видим, что огромное множество видов современного искусства рождалось и развивалось. Некоторые были очень популярны, таки-ми остаются и сейчас, а слава некоторых была преувеличена.

Достигнуто ли это следствием того, что некоторые виды искусства явля-ются побочными ветвями других, или тем, что для большинства людей такие нововведения были слишком дикими и не прижились в обществе? Дать точный ответ невозможно. Однако, как бы ни влияло искусство на людей, только люди решают, насколько важен тот или иной процесс творчества и сами за-дают темп развития полюбившихся видов искусства.

Считаю, что цель и задачи проекта достигнуты. Гипотеза нашла свое подтверждение.


Если страница Вам понравилась, поделитесь в социальных сетях:

Объявление

Статистика